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Las 15 mejores películas

Balance 2018: los mejores estrenos de cine del año

Se acercan las fiestas y es época de balances. Repasamos lo mejor que dejó el séptimo arte en este año que despedimos, tanto en cartelera como en plataformas de streaming, a través de un par de títulos esenciales que no podés dejar de ver. Este es el Top 15 de películas estrenadas en Argentina durante 2018.

27/12/2018

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1. EL AMANTE DOBLE, de FRANCOIS OZON

Francois Ozon nos perturba llevando sus obsesiones, perversiones y parafilias a la enésima potencia. Una demostración visual sorprendente, llena de dobles lecturas perturbadoras y de pistas que se develan ante la mirada atenta del espectador. Tomando una página del libro hitchcockiano pero retorciéndolo a lo De Palma, Ozon concibe un onírico thriller erótico protagonizado por Marine Vacth, la talentosa intérprete que descubriera en Joven y Bonita. El eterno tema del doppleganger que ha fascinado a la literatura gótico hace su enésima adaptación al cine para reflexionar acerca de la verdadera naturaleza humana.


2. EL SACRIFICIO DE UN CIERVO SAGRADO, de YORGOS LANTHIMOS

El singular director de ascendencia griega Yorgos Lanthimos tiene la notable capacidad de generar climas inquietantes, creando atmósferas realmente incómodas con las cuales ha patentado un estilo. Para ello, se vale de una imaginación que no le teme a la incorrección ni escatima explorar nuestras perversiones. Este film es un ejercicio artístico impecable desde lo estético y contundente desde lo narrativo, en donde el director vuelve a contar con Colin Farell (“La Langosta”) en un papel excepcional. Un estudio acerca del comportamiento humano que nos provoca hasta el límite de lo soportable.


3. LA QUIETUD, de PABLO TRAPERO

Con Pablo Trapero estamos ante un cineasta que film a film madura su talento y se consolida como una de las grandes figuras del cine nacional, su universo cinematográfico se ha ido poblando en los últimos años de una obra uniforme, dueña de una profundidad notable y una coherencia estética. El presente film se demuestra como un sólido ejercicio de reflexión acerca de la identidad personal, los traumas familiares, los tabúes sociales y el oscuro pasado de nuestro país en tiempos de dictadura. El autor desgarra donde debe; perturba, incomoda, inquieta y llega hasta la profundidad del drama familiar que explora. Una vez arrasada su existencia y develado el oscuro misterio de un pasado condenable, el film concluye con una metáfora por demás perturbadora.


4. ROJO, de BENJAMÍN NAISTHAT

El cine argentino comenzó a reflexionar sobre nuestra sociedad durante los sangrientos años de plomo, una vez instaurado el regreso a la democracia. Sin embargo, Rojo aporta una mirada nada habitual. Porque retrata uno de los períodos más oscuros y sangrientos de nuestra historia, que abarca no sólo la última dictadura militar (1976-1983) sino también la tensión vivida en los turbulentos años previos. Una obra tan singular y meritoria que se convierte en un ensayo social. La evidente muestra de que un notable director (Benjamín Naishtat), con un gran guión en sus manos y unas ideas estéticas sólidas, puede llevar a cabo un producto creativo, innovador, con destino de clásico y capaz de competir internacionalmente en festivales.


5. TODOS LO SABEN, de ASGHAR FARHADI

Explorando con intensidad los rincones del misterio que busca desentrañar, el cineasta iraní Asghar Farhadi -dos veces ganador del Oscar por “La separación” y “El viajante” – utiliza esta compleja y sombría trama familiar como vehículo para reflexionar sobre la verdadera naturaleza de la condición humana, un opresivo examen de conciencia acerca de los límites de la moral y los perversos lazos familiares en esta trama salida de una novela de Agatha Christie. Para ello necesitará un espectador atento y consciente de que, en última instancia, lo que preocupa al director no es descubrir la identidad de un culpable. Lo que realmente importa es saber de lo que seríamos capaces. ¿Hasta dónde llegarías?


6. EL HILO FANTASMA de P.T. ANDERSON

Seis nominaciones al Oscar respaldaron el estreno de esta película en la Londres de los años ’50. Las ricas texturas narrativas que van conformando la trama demuestran que Paul Thomas Anderson es un exquisito autor cinematográfico y uno de los más grandes directores de los últimos 30 años. Sutilmente perversa a la hora de tratar un asunto escabroso, nos entrega un protagónico para el recuerdo en manos de Daniel Day Lewis, quien vuelve a colaborar una década después con el director, luego de “Petróleo Sangriento”. Hurgando en los pliegues de la trama descubriremos esa textura casi invisible que nos revela el costado más retorcido del alma humana. P.T.A. es un auténtico prestidigitador.


7. ROMA, de ALFONSO CUARÓN

Ganadora del León de Oro en el festival de Venecia, la película “Roma” se presenta como un relato autobiográfico de notable belleza poética. Estrenada en la plataforma de streaming Netflix a nivel mundial, se espera su lanzamiento cinematográfico en salas selectas. Los recuerdos de niñez afloran para otorgar espesura emocional a una crónica urbana absolutamente subjetiva: Cuarón nos está hablando en primera persona e indagando en su pasado. Una mirada retrospectiva que funciona como catarsis y donde el carácter observacional llevado al extremismo nos familiariza con las últimas obras de Terrence Malick. Los sinsabores de la vida adulta traslucen la nostalgia acerca de esas viejas anécdotas del pasado que conforman nuestra identidad, forjando dichos recuerdos como fresco de vida.


8. LA FORMA DEL AGUA, de GUILLERMO DEL TORO

Guillermo Del Toro deleita visualmente con una película plagada de alegorías, de forma muy similar a como hiciera una década atrás con “El Laberinto del Fauno”. Ganadora de cuatro premios Oscar (incluido el de Mejor Película) el director mexicano dirige a Sally Hawkins, Richard Jenkins, Michael Shannon y Octavia Spencer en uno de los films más taquilleros del año. Del Toro sabe cómo explorar mundos fantásticos para concebir fábulas morales con gran pertenencia actual y aquí la liberación del hombre anfibio cobra un vuelo metafórico notable. Un autor que hace un culto estético de su propio universo cinematográfico.


9. AL OTRO LADO DEL VIENTO, de ORSON WELLES

El postergadísimo film de Orson Welles ve la luz cuarenta años después de su rodaje. Una osadía visual y narrativa de profundo carácter experimental que demuestra porqué Welles era un visionario absoluto. Un acontecimiento histórico sin precedentes que se hizo posible gracias al estreno en la cadena Netflix. John Huston da vida al alter ego de Welles en una película que acrecienta aún más el mito del director de El Ciudadano. Quienes se quedaron con ganas de ver más pueden ver el documental “Me amarán cuando esté muerto”, acerca de la gestación de esta película.


10. ME AMARÁN CUANDO ESTÉ MUERTO, de MORGAN NEVILLE

Este documental producido por Netflix concibe la enésima mirada sobre una leyenda, haciendo foco en la película “Al otro lado del viento”, filmada por Orson Welles entre 1970 y 1977. Este registro entrega altas dosis de emoción para el cinéfilo bien entendido y también para las nuevas generaciones, brindando una nueva oportunidad para mirar con nostalgia la historia del cine y poner en perspectiva el exiguo panorama actual. Una invitación para amantes del séptimo arte quienes disfrutarán de la lúcida mirada sobre un cineasta que nos contó la evolución del artificio cinematográfico a través de su propia obra.


11. SIN DEJAR HUELLAS, de ERICK ZONKA

Este film francés se centrará en la resolución de un caso policial bajo los cánones del género de investigación, en donde el espectador acompaña activamente las distintas conjeturas acerca del posible culpable, intentando desentrañar las dificultades que encierra una misteriosa desaparición. La película también resulta un interesante ejercicio para colocar al espectador como juez del accionar ajeno. Mecanismo que no hace otra cosa que interpelarnos acerca de la perversa y verdadera naturaleza que se oculta en la sociedad.


12. BASADA EN HECHOS REALES, de ROMAN POLANSKI

En guión a dúo con el brillante Olivier Assayas, Roman Polanski adapta la novela de Delphine de Vigan para lucimiento del dúo protagónico femenino. “Basada en hechos reales” es su regreso a la mejor forma al thriller que tan bien conoce y le sienta, como mecanismo para hurgar en sus obsesiones de autor. La ambigüedad, el erotismo y los límites de la cordura son ases bajo la manga de un Polanski en su salsa. Por otra parte, el universo creativo del escritor y sus recónditos laberintos son terrenos que ya había explorado en El Escritor Fantasma y que aquí remiten fuertemente a “Misery”. Emmanuele Seigner y Eva Green en un duelo actoral antológico.


13. ACUSADA, de GONZALO TOBAL

“Acusada”, se presenta como un complejo ejercicio de investigación acerca de la auténtica naturaleza de la verdad y –acaso- de su carácter ambiguo. Aquella certeza que, en su fuero íntimo, solo conoce la propia conciencia en la cual quedarán grabados los actos cometidos, o no. Como en el mejor cine de autor, de eso parece estar hecha la película dirigida por Gonzalo Tobal y protagonizada por un elenco de lujo. Allí donde importa más la forma que el contenido, aún si el fondo de la cuestión es una verdad insondable e impenetrable de escudriñar.


14. UNIDAD XV de MARTÍN DE SALVO

“Unidad XV” recrea uno conocido episodio de encarcelamiento que sufrieran dirigentes peronistas durante la dictadura ejercida por el gobierno que derrocara a Juan Domingo Perón durante su segunda presidencia, en 1955. El film de Martín Desalvo consolida su propuesta erigiéndose como un film de notable factura, plagado de simbolismos que desnudan traiciones y lealtades de ambos mandos, proveyendo diversos niveles de análisis sociopolíticos, a medida que retrata un episodio que esboza la realidad violenta y antagónica que vivió Argentina durante su último siglo de vida político, sísmico e intolerante.

15. ANIMAL, de ARMANDO

La película de Armando Bó comienza con un color rojo sangre inundando la pantalla, que se repite en toda la historia como un patrón de advertencia, símbolo del infernal camino de destrucción personal que arrastrará a nuestro protagonista interpretado por brillantemente Guillermo Francella. La incomodidad que siente el personaje nos interpela a nosotros, espectadores, acerca de algo violento y profano, próximo a ocurrir. Aquí el actor encarna a este hombre de familia tipo de clase media alta sin muchas preocupaciones. La pérdida de su esencia, inmerso en el espiral de locura en el que se entromete, transforma su raciocinio en instinto, a medida que la moralidad de sus actos se deforma proporcionalmente al fin que sus medios persiguen.



Extracto de textos para Balance de Cine 2018 publicados en los sitios Cinescondite y Cuatro Bastardos


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